Documental sobre Audiofilm. Estudio mítico que tristemente desapareció. El 68 de la calle Alonso Cano de Madrid, donde estaba Audiofilm, fue un centro creativo tanto de música grabada como de grabaciones de publicidad y programas de radio. Su plantel de técnicos de sonido a lo largo de su historia, bajo la dirección de Raúl Marcos, supuso una marca que ningún estudio superó. El Audiofilm que fundó José María Batlle a mediados de los 60 dio paso a otra empresa, dedicada a lo mismo. Pero ya no fue lo mismo.

Es bien conocido que durante los siglos desde el siglo XVI y hasta el siglo XIX, los castrati eran personajes populares y claves en la representación musical. Estos hombres eran castrados de niños para que su voz fuera aguda y limpia, algo que se valoraba mucho en la música de estos siglos. La castración no solía conllevar la amputación del pene. Alessandro Moreschi, el último de los castrati y el único con grabaciones, murió hace casi 100 años.

Uno de los problemas básicos con los que los fabricantes deben lidiar a menudo es con el sobrecalentamiento de sus equipos. Si no se consigue refrigerar correctamente, el dispositivo puede dejar de funcionar o limitar algunas de sus funciones. Es lo que ocurre con la Canon EOS R5, que no permite grabar en 8K durante un periodo prolongado debido a las altas temperaturas que alcanza el procesador. A no ser, claro, que incorpores un sistema de refrigeración propio.

El novelista Alejo Carpentier, en un artículo de 1956 sobre el coleccionismo, incluido en su libro Ese músico que llevo dentro, lo califica de “encomiable actividad”. Pero algo después, no sin sorna, añade que “hay quien, sin haber escuchado tal sonata de Beethoven tocada por Kempff, corre desaforado a comprarse la misma, tocada por Schnabel, la que tampoco tendrá el tiempo de escuchar a derechas”.

"El primero de sus tres movimientos, Allegramente, presenta varios temas que parecen evocar melodías populares, rasgueos de guitarras españolas y ecos procedentes del blues [...] Con la Orquesta del Conservatorio de París, Samson François y André Cluytens (EMI, 1959) apuestan por la libertad y la fantasía en un fluir continuo de sorprendentes acentos, matices, crescendos, accelerandos y resonancias jazzísticas. Flota sobre este Ravel la magia de la improvisación, el ambiente parisino de los años cincuenta" (Scherzo nº 275, p.48, junio de 2012)

"No sabes lo hija de puta que soy. Te voy a matar", se escucha decir a una acusada de homicidio en una grabación que su pareja y víctima registró con su teléfono móvil, y que este lunes la Audiencia de Valencia ha reproducido en el juicio contra esta mujer por apuñalar en el corazón a su novio.

"La versión de Järvi no tiene nada que envidiar a las de Rozhdestvenski y Maazel, que eran las que conocía quien esto suscribe. El director estoniano hace una buena lectura de la sinfonía, en la que brilla el carácter juguetón del Scherzo y el Allegro giocoso final y la riqueza lírica y el ímpetu del Adagio. Quizá una mayor nitidez de planos sonoros y un sabor ruso más marcado hacen preferible esta versión a la de Previn con la Filarmónica de Los Angeles." (Scherzo nº 24, mayo de 1988)

"Badura-Skoda opta aquí por una aproximación incisiva, de una gran vitalidad y fuerza. Su Waldstein nos gana desde el principio: el primer tiempo es realmente un allegro con brio, los ataques son de una agresividad enorme, los sforzandi y los contrastes dinámicos de una tensión inusitada. Toda la sonata está envuelta en una inconfundible atmósfera beethoveniana, y aunque la articulación no es superlativa, el pianista obtiene un claro beneficio de la peculiar claridad que proporciona el instrumento." (Scherzo nº 24, mayo de 1988)

"El intenso dramatismo y el contraste expresivo son las notas que caracterizan esta versión, quedando otros elementos de la obra más en segundo plano. A Haitink le interesa más la tormenta emocional del moribundo que el pulso arrítmico de su debilitado corazón. Toda la interpretación está estupendamente planteada desde el punto de vista dinámico: desde la introducción, sutilísimamente plasmada y muy próxima a la estética impresionista, hasta el espléndido crescendo final, la progresión dramática es implacable" (Ritmo nº 552, febrero de 1985)

"La versión es un exponente típico del quehacer de los últimos años de Klemperer. Grabada en 1961, nos muestra en todo su esplendor el criterio interpretativo del viejo director, su sonido robusto, a veces pétreo, su concepción majestuosa y solemne de las grandes obras, su imponente capacidad para organizar estructuralmente las partituras, etc. Pero asimismo también nos revela su severidad expresiva y su escaso (en aquellos años) sentido del lirismo [...] Que nadie espere, pues, encontrar aquí una Novena poética" (Ritmo nº 552, febrero 1985)

"Encontrarse a un pianista, grande y veterano (84), como Arrau tocando sonatas de Mozart, cuando habitualmente, y en disco más, se dedica a sumergirse en otros mundos más decididamente románticos -Schubert, Beethoven, Schumann, Chopin, Brahms- o, incluso, impresionistas, es tan sorprendente como estimulante. Y en mayor medida tras haber escuchado su personal visión de estas obras. [...] es un Mozart maduro, prerromántico, luminoso de sonoridades pero consistente, excelentemente acentuado y fraseado" (Scherzo nº 13, febrero 1987)

"Giulini se expresa, otra vez, con tempi muy amplios -a excepción del Finale, bastante movido- que propician un fraseo excepcionalmente afectuoso, cálido e intenso, además de contribuir a clarificar la compleja textura orquestal de estas dos obras [...] Con la inestimable colaboración de los filarmónicos vieneses, el resultado es de una belleza pasmosa que me parece de conocimiento obligado. Para quienes el Giulini actual resulte moroso en demasía pueden acudir al de 30 años atrás" (Scherzo nº 61, enero 1992)

"Por si a alguno se le ocurre pensar al leer la ficha que para qué otra versión de la Sonata de Liszt después de Arrau, Gilels y Pollini (entre otros), mi primera recomendación es que procure escuchar al menos los primeros minutos de esta de Zimerman. Si tras ellos aún sigue manteniendo la misma pregunta, entonces me rindo. [...] Su Sonata de Liszt es de una gama dinámica inverosímil, los silencios adquieren una significación única, la música entre ellos parece surgir de la nada y quedar milagrosamente suspendida" (Scherzo nº 61, enero de 1992)

"Es increíble, y seguramente increíblemente vergonzoso: una buena parte de los aficionados (y, ¡seguro!, críticos) se saben de memoria las sinfonías de cualquier autor postromántico europeo [...] y, al mismo tiempo, ignoran músicas del otro lado del Atlántico como, sin ir más lejos, las que incluye este disco, tres de las siete sinfonías que hizo Carlos Chávez. En pocas palabras, una orgía casi continua de sonoridades imposibles, que desde aquí no comprendemos sino como parte de un arte exótico y ajeno" (Ritmo nº 714, noviembre 1999)

"Herbert Blomstedt, cuando graba discos como éste y no música de repertorio con la que muestra dudosa afinidad, demuestra arte y generosidad. Arte, porque es precisamente la música que "sabe" hacer, la música de la que se siente verdaderamente cerca; generosidad, porque hacer discos como éste no supone un "triunfo" fácil [...] Blomstedt la dirige como si fuera la mejor música que haya pasado nunca por su vista, como si estuviera dirigiendo Nielsen o Ives, es decir música "consagrada"" (Ritmo nº 657, septiembre 1994)

"Tres años más joven que Mozart, Krommer es siempre comparado (para mal) con Beethoven, al que sobrevivió cuatro años. Pero, dado que se trata de un músico de una generación anterior, la propia comparación dice mucho al favor del checo. Las nueve Sinfonías de Krommer, más o menos contemporáneas de las de Beethoven, gozaron en su día de enorme popularidad, y nos ayudan a conocer cuáles eran los gustos de esos amplios sectores del público vienés de la época [...] que detestaban cordialmente la música de Beethoven" (Ritmo nº 657, septiembre 1994)

"Este concierto dedicado a Sarasate data de 1909 y se estrenó en 1923, pero se ha perdido la partitura orquestal aunque se ha conservado la reducción para piano, de modo que se hacía necesaria una orquestación. Ahí entró Rogelio Groba, que en 2004 realizó un excelente trabajo que ahora podemos disfrutar. Su tercer movimiento, como el de Monasterio, tiene clara influencia popular, algo que añade atractivo o al menos "sal" al conjunto, ya de por sí muy interesante." (Scherzo nº 257, noviembre 2010)

"Kaler está aquí en estado de gracia, con una línea expresiva de una tensión que no decae jamás. [...] Antoni Wit acompaña con la pericia que se le conoce, pero esta vez sin los decaimientos que lastraban en ocasiones su trabajo con Maria Kliegel en los conciertos para violonchelo [de Shostakovich] también para Naxos. La Orquesta Sinfónica Nacional de la Radio Polaca de Katowice no es una formación ni de gran exquisitez ni de un poderío excesivo, pero se entrega y salva sus carencias con mucho aseo." (Scherzo nº 118, octubre 1997)

"No fue la música de cámara, si no incluimos en ella la música para piano solo, un ámbito de creación favorito de Prokofiev. Pero con que sólo hubiera compuesto las tres obras aquí incluidas, ya sería más que suficiente [...] [Sus dos cuartetos] están escritos con la lógica nerviosa del autor para el teatro, pero no se trata de obras dramatizantes; al contrario, tienen su propia lógica abstracta, irreductible. Son dos obras sin concesiones, de extraña sequedad a veces, con formas clásicas y aliento moderno" (Scherzo nº 95, junio 1995)

"Con Temirkanov los avisos de las trompetas del Non Allegro nos sitúan frente a la llamada del fin, a la llegada del crepúsculo que anuncia el saxofón y recoge la cuerda con un inequívoco -el más claro de toda la discografía- sabor ruso. La resignación de la coda de este movimiento, como preludio al desolado, melancólico Vals del segundo, las referencias al Dies Irae, a la liturgia de las Vísperas en el tercero, todo confluye en una lectura de una intensidad sobrecogedora." (Scherzo nº 95, junio 1995)

"Kitaienko cuida y recrea los aspectos desolados y misteriosos de los pasajes lentos, pero parece descreer de lo terrorífico; y prefiere expresarse mediante el dramatismo que sugerir el espanto. Eso, en general. Por ejemplo, en el Allegro non troppo de la Octava, pasaje especialmente terrorífico; aquí, Kitaienko está lejos de Mravinski. Por el contrario, se muestra sublime en el Adagio que cierra el largo primer movimiento de esa misma sinfonía [...] y desde luego en el doliente Largo" (Scherzo nº 205, febrero 2006)

Cuando una planta es cortada o privada de agua, cambia de forma, olor y color. La ciencia ha ido ahora un paso más allá y ha descubierto que las plantas emiten un sonido inaudible para el hombre cuando sufren. Eso es lo que apunta por primera vez un singular estudio, de la Universidad de Tel Aviv en Israel, que puede consultar en bioRxiv .
Un proceso llamado cavitación es el responsable de los sonidos a medida que el agua viaja a través de los tubos de xilema de las plantas, importantes para la hidratación, se forman burbujas...

El viernes pasado un activista intentó grabar en el interior del departamento de policía de Beverly Hills, con la excusa de presentar un formulario para obtener imágenes de la cámara corporal de un policía. La idea de Sennett Devermont era destapar el acto de un policía que le impuso una multa, a su juicio, injusta. La reacción de los agentes, para evitar el directo de Instagram que estaba realizando Devermont, fue cuanto menos, peculiar; los policías empiezan a reproducir música con copyright, en un claro intento de conseguir bloquearlo.

Si no fuera por las grabaciones, abusos policiales como el ocurrido en Linares no siempre saldrían a la luz. Tener documentos gráficos de estas actuaciones es importante para poder denunciar los casos más graves, pero también está en juego la protección, seguridad e intimidad de los agentes. Esto es lo que dice la ley española sobre grabar y difundir las actuaciones policiales, cuándo es legal hacerlo y qué limitaciones hay.